"Tutto il mondo è un teatro e tutti gli uomini e le donne non sono che attori: essi hanno le loro uscite e le loro entrate; e una stessa persona, nella sua vita, rappresenta diverse parti" (dalla commedia di William Shakespeare: "Come vi piace". La frase è detta da Jaques, innamorato di Aldrina, atto II, scena VII).

Le relazioni sociali spesso costringono l'individuo ad "apparire" più che essere, a mostrarsi per ciò che non si è o si vorrebbe essere, per farsi accettare, amare. L'apparire può indurre a mentire, ad indossare una virtuale maschera che copre il vero volto.



Nelle culture antiche la maschera aveva un significato simbolico e rituale, collegato a credenze religiose, perciò le maschere venivano utilizzate durante riti, cerimonie sacre e altre celebrazioni importanti.  Negli scavi archeologici  sono numerosi i rinvenimenti di maschere in terracotta o di piccole statuine teatrali anche nei corredi funerari.

Nell'antica Grecia la nascita del teatro coincise con l'ideazione e l'utilizzo delle prime maschere per caratterizzare il personaggio con l'espressione facciale.  Di solito venivano realizzate con tela di lino, legno, sughero, cuoio, cartapesta.

La maschera fungeva  anche da cassa di risonanza: la parte della bocca era fatta in modo tale da amplificare la voce ed essere ascoltata anche dagli spettatori più distanti dal palcoscenico,  in fondo alla platea.

"Prosopon" (= volto) era la parola usata in ambito teatrale per alludere sia al viso sia alla maschera usata dagli attori. Da prosopon deriva nella lingua italiana la parola "prosopopea".

Nella lingua latina la maschera teatrale era denominata "persona", parola di probabile origine etrusca, da "Phersu".  A Tarquinia (prov. di Viterbo) in alcune tombe etrusche ci sono fregi che rappresentano "Phersu", personaggio mascherato.

Con la filosofia stoica la parola "persona"  venne ampliata di significato e cominciò ad indicare  l'essere umano. Poi Tertulliano  (155-230) usò  tale sostantivo per  descrivere la trinità: "una sostanza (una substantia), tre persone (tres personae).

Per i Greci il sostantivo "persona" indicava sia il volto, sia la maschera, sia il personaggio.

Dall'epoca del commediografo greco  Aristofane (450 a. C. circa – 385 a. C. circa) a quella del commediografo greco Menandro (342 a. C circa  - 291 a. C. circa) la maschera dell'attore comico (e forse anche di quello tragico) subì cambiamenti rispetto alle maschere realistiche con le fattezze  di personaggi della vita pubblica ateniese. Con la nuova commedia la tipizzazione dei ruoli comportò anche la fissità delle tipologie: ogni personaggio  indossava la propria.  All'entrata in scena dell'attore il pubblico capiva subito chi era: erano sufficienti la maschera e l'abbigliamento indossati.

Invece il teatro latino di epoca romana , erede della fase evolutiva nel processo di tipizzazione delle maschere,  mirò ad evidenziare ancora di più la corrispondenza  tra maschera e caratteristiche del ruolo interpretato.

"Vaso di Pronomos":  come tipologia è un  kratḕres (cratere), alto 73,5 cm, a figure rosse, di produzione ateniese, realizzato nel 400 a. C. circa.

Il dipinto evidenzia l'intento celebrativo al dio Dioniso, considerato patrono del teatro.

La scena, delimitata da due tripodi che simbolicamente segnano lo spazio sacro di un santuario, si articola su due registri.

Sulla faccia principale, al centro del registro superiore, ci sono le figure di Dioniso e la sua sposa Arianna, distesi su una klìne (= letto conviviale);  a destra, la musa Paidia e il giovane alato Himeros, personificazione del desiderio, che le porge una corona; accanto a loro gli attori principali, ciascuno con la maschera corrispondente al personaggio interpretato: uno nel ruolo di Eracle, un altro, con costume di lanugine bianca, in quello di Papposileno; alle spalle di Dioniso un attore nel ruolo di un re orientale, affiancato da coreuti con gonnellino corto di pelle, coda e finto fallo.

Le caratteristiche dei costumi suggeriscono il possibile soggetto del dramma: l'episodio del salvataggio della principessa Esione, figlia del re di Troia Laomedonte, da parte di Eracle.

Nel registro inferiore, al centro c'è il personaggio che ha dato il nome al vaso e all'omonimo pittore di questo cratere: il flautista Pronomos, auleta tebano seduto su un klismos (sedia con seduta e spalliera ampie), che suona il doppio flauto; alle sue spalle un coreuta esegue un passo di danza (sìkinnis) e Demetrios, l'autore del dramma, che ha in mano il rotolo del testo.

La faccia secondaria , qui non visibile perché nella parte opposta,  ve la descrivo io e vi dovete fidare di me. 
C'è la rappresentazione di Dioniso e dei personaggi del suo corteo festante. Potrebbe alludere alla celebrazione di una vittoria teatrale.

Il "vaso di Pronomos" fu rinvenuto nel 1835 a Ruvo di Puglia in una tomba apula. Faceva parte di un ricco corredo funebre, insieme ad oggetti preziosi.

Il rinvenimento di questo vaso in Puglia non stupisce, perché  la produzione vascolare ateniese fu oggetto di un'intensa esportazione, soprattutto verso le colonie della Magna Grecia e della Sicilia, ma raggiungeva anche l'Etruria.

Il cratere era usato per mescolare vino e acqua nel simposio greco. Veniva collocato su un tavolo al centro della stanza e riempito in parte con il vino e l'aggiunta di acqua per diluirlo e abbassare il contenuto alcolico.

Il kratḕres di Pronomos è temporaneamente esposto a Roma nella citata mostra,  ma è custodito nel Museo Archeologico di Napoli.

In quest'ora pomeridiana  vi offro una bevanda entro una kylix di produzione attica, risalente al 560 – 550 a. C.. E' a figure nere. Rappresenta una phallophoria: la processione che accompagnava il simulacro del fallo, simbolo della fecondità.

La kylix è una coppa da vino, in ceramica con due anse. Questa  è temporaneamente in mostra a Roma nel Museo dell'Ara Pacis, dopo tornerà nel Museo Archeologico di Firenze.
 


In questa parte della coppa si vede una processione fallica. Uomini nudi trasportano un lungo palo con l'estremità verso l'alto a forma di fallo, inoltre, si vede un occhio inciso.
Poggiando i piedi sul supporto orizzontale e afferrando il fallo con le mani, un satiro (con barba e capelli fulvi, e il pelame del corpo tratteggiato) si piega quasi a cavalcioni del grande phallos , ma nel contempo è cavalcato da un giovane che suona un keras, il bianco corno musicale, e lo sprona con il kentron, il frustino usato per i cavalli da corsa.
Un dionisiaco tralcio d'edera dalle foglie rosse e nere si erge verso l'alto sulla sinistra  della scena.

La kylix veniva usata nei simposi fino al IV a. C., poi  nel tempo  fu sostituita dal kàntharos di ceramica, usato come coppa da vino nei rituali dionisiaci.

Un esempio di kántharos in ceramica per contenere il vino:



Anche all'interno il fondo era spesso decorato con figure o scene: queste, occultate dal vino contenuto,  diventavano gradualmente visibili solo durante le bevute.  I soggetti raffigurati erano spesso ideati in funzione di questo effetto.

Veniva usato nei simposi: pratica conviviale che faceva seguito al banchetto, durante la quale i commensali bevevano il vino dal kantharos,  intonavano canti e si dedicavano a intrattenimenti di vario genere.

Immaginaria e-mail inviata a mia nipote

Attore / attrice: è un lavoro e nel contempo arte effimera: esiste "qui e ora" sul palco, ma  dopo la chiusura del sipario svanisce. 

Perché recitare ? Per curiosità, ambizione, per essere ammirati e applauditi ?

E' importante capire in che modo si deve procedere per trasformare una generica e indistinta motivazione in un'attività da mettere a punto sera dopo sera, nella routine delle repliche, affrontando vari tipi di pubblico.

Per saper recitare è necessaria la tecnica, tramite un rigoroso percorso formativo.

Sono determinanti gli esercizi, le metodologie di apprendimento riguardo alla gestione del corpo e del movimento, del respiro e della voce, mettendo in luce quanto sia necessario avere consapevolezza dei propri continui cambiamenti di stato, emotivo e fisico, analizzandoli, assecondandoli e sfruttandoli, per giungere alla percezione nitida ed efficace del proprio stare in scena, perché in teatro non ci si esibisce, si comunica. L'attore ha come obiettivo di dare l'illusione agli spettatori di una plausibile realtà.

L'attore, regista teatrale  e teorico del teatro  Konstantin Sergeevič Stanislavskij (1863 – 1938), noto per essere l'ideatore del "metodo Stanislavski", pretendeva dagli attori la loro  l'immedesimazione totale col personaggio rappresentato in scena. 

A teatro noi assistiamo allo svolgersi di esistenze in cui spesso troviamo frammenti che ci appartengono.

L'attività teatrale ha due aspetti: il linguaggio verbale e quello non verbale, aiuta a potenziare l'abilità comunicativa e a relazionarsi con gli altri, tramite l'uso consapevole del corpo, della voce e dello spazio.

Le tecniche teatrali aiutano  a conoscersi e gestire le posture i  gesti, la  voce, l'uso dello spazio scenico, la propria capacità di comunicazione e renderla più efficace.

"Fare teatro" significa imparare ad osservare l'altro e ascoltarlo, al fine di comprenderlo. Solo in questo modo è possibile interpretare il linguaggio non verbale dell'interlocutore e capire quando intervenire sia con il corpo che con la voce.

Per fare l'attore, l'attrice significa: esercizi, prove, simulazioni, studio del copione, creazione del personaggio. Questi esercizi facilitano la comunicazione e la comprensione reciproca, l'espressione dei sentimenti e delle emozioni.

L'attività teatrale aiuta a superare la timidezza,  il timore di parlare, insegna ad aprirsi agli altri senza timore di giudizio e di valutazione.

La pedagogia teatrale permette di:

Migliorare l'espressione verbale e non verbale.

Imparare elementi di dizione e di linguaggio specifico.

Migliorare la comunicazione interpersonale e di gruppo.

Esprimere emozioni e sentimenti.

Superare la paura di parlare in pubblico.

Potenziare la capacità di ascolto.

Migliorare la sicurezza espositiva.

Fare teatro significa comunicare ed è importante rafforzare questo aspetto in quanto si riflette anche a livello scolastico.

Parlare agli altri in modo fluente e disinvolto può aiutare gli alunni anche nell'esposizione delle varie discipline scolastiche. Il fine è quello di sentirsi sicuri di fronte all'interlocutore ed esprimere al meglio storie, considerazioni, idee o la rappresentazione del proprio personaggio.

L'attività teatrale aiuta l'autostima e la sicurezza di sé.

p.s. (= post scriptum): quando vedi i film in televisione in alcuni momenti trascura le immagini ed ascolta le parole, fai attenzione alle pause, alle diverse tonalità della voce che usano gli attori o i doppiatori cinematografici. 

Ad Atene tra marzo e aprile si svolgevano per cinque giorni le "Grandi Dionisie", tra canti, musica e offerte  di sacrifici dedicate al dio Dioniso.

Quei canti erano ditirambi (canti corali in onore di Dioniso) e falloforie: le processioni che accompagnavano il simulacro del fallo e avevano intenti propiziatori della fecondità.

Oltre  alle grandi bevute di vino venivano organizzati anche gli spettacoli teatrali: di solito tre tragedie  e un dramma satiresco.
 

Atene, resti del petroso teatro di Dioniso. Fu costruito all' inizio V sec. a. C. vicino al santuario dedicato a quella divinità nei pressi dell'acropoli. Fu utilizzato da Eschilo, Sofocle ed Euripide per la tragedia, da Aristofane e Menandro per la commedia.

La mostra al Museo dell'Ara Pacis sul teatro occidentale nell'antichità è come un lungo viaggio, dove storia,  letteratura e architettura s'intrecciano e si stratificano.

Tutto comincia con l'ebbrezza del dio Dioniso, in onore del quale in alcune città-Stato greche si celebravano riti che avrebbero dato origine alla tragedia e alla commedia.

La rassegna permette il coinvolgimento del visitatore fra maschere, attori e autori, progetti architettonici e rovine attuali. Fa capire che il teatro di epoca greco-romana  ha le sue radici nella drammaturgia greca del VI sec. a. C.. Sarebbe nata dal ditirambo, il canto per Dioniso di una sola voce, alla quale rispondeva il coro; invece la commedia fu originata dalle processioni falliche dionisiache.

Il drammaturgo greco Eschilo (525 a. C. – 456 a. C.) è considerato l'iniziatore della tragedia greca, seguito da Sofocle ed Euripide. 

Dal dramma greco e da apporti italici derivò il teatro di epoca romana. Fin dai suoi esordi fu un adattamento delle scene antiche al nuovo contesto sociale.

La tradizione greco-romana ancora oggi va in scena, per esempio nell'antico teatro greco di Siracusa, quasi interamente scavato nella roccia.



Questo teatro all'aperto veniva usato anche per le assemblee popolari.
In epoca imperiale fu utilizzato per giochi circensi. Poi fu abbandonato. E nel XVI secolo fu depredato dalle truppe spagnole di Carlo V. Usarono le pietre, già tagliate, per erigere le fortificazioni di Ortigia.

Si apra il sipario, comincia lo spettacolo !


Come state messi con l'attività teatrale ?

Vi piacerebbe  salire sul palcoscenico e recitare ?

A me piace !

Per un paio d'anni  all'università ho fatto parte della locale compagnia teatrale, anche per rimanere più tempo con una ragazza. 

Debbo dire che come piacevole passatempo l'attività teatrale  è un processo di formazione individuale, permette di fare esperienza  della propria interiorità:  le emozioni, i sentimenti.

Lo spazio teatrale è "un luogo dei possibili", in cui fantasia e creatività possono esprimersi liberamente. E' comunicazione e percorso individuale in un lavoro di gruppo. La pluralità di forme espressive impegnano integralmente la persona.

L'educazione alla teatralità dà la possibilità di esprimere la propria specificità mediante la voce e il corpo.

Ora basta col panegirico dedicato al teatro.

Passo alla cronaca per informarvi che a Roma, fino al 3 novembre, nel Museo dell'Ara Pacis c'è l'interessante mostra  dedicata al teatro nell'antichità, agli autori, attori e pubblico di quel tempo. Ma di questo argomenterò nel prossimo post, quando potrò. 

Brava Ipazia ! Grazie. 
 
Hai usato il sostantivo "poiesis" ed io l'ho utilizzato per allungare il "brodo"...    in questo modo

Poiesis: questo antico sostantivo deriva dal verbo greco 'poieo' che significa  ideare,  creare  comporre.

Fu lo storico e geografo Erodoto di Alicarnasso (vissuto tra il 484 e il 430 circa a. C.) ad usare per la prima volta la parola "poiesis", di solito tradotta con il significato di "creazione poetica",  la "poesia".

La poiesis / poesia rimanda al "parlare in versi", ma l'atto poietico è legato al generare, il "fare dal nulla" secondo l'antico filosofo Platone (Symposium).

Poiesis vuol dire creare, ma "ogni parto è dolente".  Chi ha "sperimentato l'ispirazione poetica, anche solo un verso", sa quanto gioioso possa essere l'atto creativo, specie  se ispirato da Calliope, la musa della poesia epica nella  mitologia greca. Figlia di Zeus e Mnemosine, è conosciuta come la Musa di Omero, l'ispiratrice dell'Iliade e dell'Odissea.

Auguste Alexandre Hirsch, Calliope  suona la musica del giovane Orfeo, olio su tela, 1865, Museo d'arte e archeologia del Perigord, nel Comune di Périgueux, Francia.

Buongiorno Ipazia. 

Mi piace la tua riflessione ! 

Ci faresti leggere alcune tue composizioni ? 

Purtroppo ti fai coinvolgere nelle beghe dei filosofi del forum e trascuri la musa Calliope.   

Il poeta fiorentino Mario Luzi disse che la poesia è una necessità nel cammino della vita. Riordina le esperienze, dà significato al nostro essere e al nostro soffrire, a  ciò che pare non averne. E' quel supplemento di verità di cui sentiamo bisogno.
 
Ma non bisogna confondere i "versificatori" con i poeti che dicono cose che vanno oltre il tempo.
Sono molti gli aspiranti poeti che si "autoleggono" ma non acquistano libri di poesia.
 
Si dice che ormai non c'è più posto per la poesia, ed è vero, ma la poesia non vive di mercato.
Negli scaffali delle librerie i testi di poesia ci sono in vendita, ma vengono acquistati soltanto dagli studenti obbligati a leggerli. E quando smettono di andare a scuola  non li acquistano più.
 
Il feeling tra poeti e lettori è inficiato dai tanti libri di cosiddetti poeti senza vocazione e senza "mestiere", che fanno stampare le loro poesie a loro spese dalle tipografie o da piccoli editori. Sono opuscoli o libri fatalmente destinati alla lettura da parte di amici o al cestino dei recensori.

La poetessa polacca Wislawa Szymborska (1923 – 2012), premiata con il Nobel per la letteratura nel 1996,  nella sua composizione in versi titolata "Ad alcuni piace la poesia" l'autrice s'interroga sul valore della poesia e sulla sua funzione.

Ecco il testo:

"Ad alcuni?
cioè non a tutti.
E neppure alla maggioranza, ma alla minoranza.
Senza contare le scuole, dov'è un obbligo,
e i poeti stessi,
ce ne saranno forse due su mille.

Piace?
ma piace anche la pasta in brodo,
piacciono i complimenti e il colore azzurro,
piace una vecchia sciarpa,
piace averla vinta,
piace accarezzare un cane.

La poesia?
ma cos'è mai la poesia?
Più d'una risposta incerta
è stata già data in proposito.

Ma io non lo so, non lo so e mi aggrappo a questo
come all'àncora d'un corrimano".

Ironica e provocatoria la riflessione della Szymborska: l'autentico poetare è un dono raro. 

L'autrice pone nella conclusione la domanda fondamentale: "Ma cos'è mai la poesia ?" Ed esprime il suo dubbio, reso dalla ripetizione: "io non lo so, non lo so".  Però Wislawa tramite una metafora ci dà una risposta certa: la poesia è come un corrimano: è sostegno, a cui aggrapparci nelle traversie della vita. Ha una funzione di conforto.

Dice che l'arte poetica non è per tutti, non appartiene alle masse ma all'intimo dell'individuo.

La si studia nelle scuole ma non è detto che piaccia agli studenti, e i veri poeti, afferma Szymborska, sono "due su mille".

Il tema del pesce nell' opera di Klee è presente varie volte e in diversi modi.


Paul Klee, Fish magic, olio e acquerello su tela applicata su tavola, 1925, Philadelphia Museum of Art

Questo bel dipinto di Klee è un collage surrealista.

In basso, sulla sinistra, è raffigurato un uomo col cappello conico.

Sono presenti anche due doppi coni: quello a sinistra è dominato dal sole nascente, quello sulla destra è usato come porta-vaso per i fiori.  Vicino ad esso ma verso il centro, c'è la figura di una donna (un uomo ?) che saluta.
 
 Dei 6 pesci, 4 si dirigono verso il centro: lo spazio è occupato da una chiesa, in ombra, con la torre dell'orologio che segna le ore 9. In alto a destra la lunga linea diagonale raggiunge la cima del campanile.
 
 Tre cerchi sparsi sull'immagine evocano il sole e i pianeti.

ci sono alcune versioni della fiaba "Il pesciolino d'oro".

Le più conosciute sono quella scritta dai Fratelli Grimm, pubblicata nel 1812, e quella dello scrittore e poeta russo Aleksandr Sergeevič Puškin, pubblicata nel 1832.

Comincia così:

"Sul mare-oceano, sull'isola di Bujan, c'era una volta una piccola casetta, un'izba decrepita, nella quale vivevano due persone anziane e povere. Lui confezionava le reti da pesca e andava al mare per prendere i pesci. Ne prendeva solo quanto ne bastava per il vitto quotidiano.

Una volta l'uomo lanciò la rete, cominciò a tirare e si accorse che era molto pesante. Guardò: la rete era vuota; c'era solo un pesciolino, ma d'oro.

Il pesciolino con voce umana disse al vecchio: "Non prendermi. Se mi lasci tornare nell'azzurro mare ti sarò riconoscente: farò quello che vorrai".


illustrazione del pittore russo Valentin Alexandrovich Serov, Il pesciolino d'oro.

Il vecchio ci pensò, poi disse al pesce: "Che bisogno ho di te? E lo lanciò in mare, poi tornò a casa e... ebbe problemi con la moglie ...

Villa Pisani


Villa Pisani, situata nella riviera del fiume Brenta, a circa 10 minuiti da Padova e 20 minuti da Venezia.

L'edificio ha 114 stanze. Fu la villa "estiva" della nobile famiglia Pisani, del patriziato veneziano.  Ospitò dogi, re e imperatori.

Questa residenza del Settecento oggi è un museo nazionale che conserva arredi e opere d'arte del Settecento e dell'Ottocento, tra cui il capolavoro di Gianbattista Tiepolo "Gloria della famiglia Pisani", affrescato sul soffitto del maestoso salone da ballo.

Nel parco c'è lo scenografico labirinto di siepi, l'orangerie, le serre con piante tropicali.

In questa villa-museo fino al  27 ottobre c'è la mostra fotografica di Federico Garolla (Napoli, 1925 - Milano, 2012). 

Questo  bravo giornalista  e fotografo colse la vita culturale italiana in una serie di racconti fotografici che ritraggono pittori, scrittori, musicisti, attori e attrici di cinema e teatro, ma anche la gente comune, le tematiche a sfondo sociale; con empatia colse il realismo del dopoguerra: la quotidianità di tante persone che cercavano di sottrarsi alla miseria facendo lavori molto faticosi, adatti ai buoi o ai muli 

La seguente immagine è eloquente


nei pressi di Villa Pisani, Stra (prov. di Padova)

Paul Klee, "The golden fish" (il pesce d'oro),  olio e acquerello su carta, 1925,  Kunsthalle di Amburgo

In questo famoso dipinto il pesce d'oro sembra mettere in fuga gli altri pesci.

Nel mare blu ondeggiano piccole piante acquatiche. E' evidente  il contrasto tra la centralità del lucente pesce d'oro e i colori tenui  degli altri pesci che si  dirigono verso  gli angoli del quadro.

Oltre  per l'uso del colore, "The Golden Fish" si distingue anche per le sue forme astratte e geometriche.

"Se si pesca il pesce d'oro e lo si lascia tornare in mare, ogni desiderio potrà essere esaudito", afferma un detto popolare russo.

Invece il cantante Fabrizio De André nella canzone titolata "Le acciughe fanno il pallone"  dice:

[...] Bottiglia legata stretta
Come un'esca da trascinare
Sorso di vena dolce
Che liberi dal male.
Se prendo il pesce d'oro
Ve la farò vedere
Se prendo il pesce d'oro
Mi sposerò all'altare". [...]

Il pittore Ernst Paul Klee (1879 – 1940)  con i colori esprimeva le sue emozioni e gli stati d'animo.
Fu un esponente dell'astrattismo, il movimento artistico che esula dalla rappresentazione di oggetti reali. Usa un linguaggio visuale di forme, colori e linee per creare composizioni pittoriche e scultoree.

Per Klee l'arte non è riproduzione della realtà: "L'arte non riproduce ciò che è visibile, ma rende visibile ciò che non sempre lo è."  Egli descrive la sua arte come una delle sole forme capaci di riprodurre l'invisibile, distaccandosi dalla percezione sensibile.

Il pittore deve rendere visibili gli altri mondi possibili, andando oltre la realtà del visibile, così inquieta le coscienze, tende al mistero, rivela quella bellezza che si manifesta come un'epifania sempre nuova. 

A Milano, in piazza della Scala, fino  al 29 settembre nel museo Gallerie d'Italia c'è la mostra dedicata al pittore piemontese Felice Carena (1879 – 1966). Sono esposte oltre cento sue opere.

La mostra antologica, divisa in sei sezioni espositive,  ricostruisce i passaggi della sua ricerca estetica, esistenziale e spirituale.


Felice Carena, Estate (L'amaca), olio su tela, 1933, Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea, Torino

La giovane donna dorme tranquilla su un'amaca tesa tra due alberi, in un paesaggio naturale.

Indossa un abito bianco. Ha la testa poggiata su un cuscino. Un telo decorato protegge il corpo dalla rete.

La ragazza e l'amaca sono realizzate con colori chiari e creano un'ampia zona illuminata nel primo piano.

Il formato orizzontale del dipinto asseconda la rappresentazione del corpo disteso.